中国新节奏 new china beat-尊龙凯时app

崔健，摇滚音乐家，有“中国摇滚教父”之称。其唱片全球销量超过1000万张，是第一位在中国各地展开巡演并且超过1000场的内地流行音乐家。

<img src="//img3.selfimg.com.cn/wad999ru/2016/07/29/1469783515_obwefe.jpg" style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: 15.552000045776367px; white-space: normal;"/> 崔健的音乐受到西方摇滚、爵士、hip-pop和电子音乐极大的影响，在他的歌曲中敢于展示一些敏感话题，他的重音乐中带有强烈的纯朴、自然性以及强烈的批判性和启蒙精神。正是在他的推动下中国音乐开始接触和广泛地吸取流行音乐元素。他的歌词也被广泛认同是“诗歌”级别的。 崔健 神在地上  　　这么多年过去，大众把他供奉在高高的神坛，或者又企图把神像砸毁。而他一直是人，双脚走在地上。他说他也会被潮流带走，又摸索着回来，他始终在寻找一种平衡，“一个伟大的人就是一个伟大的平衡家。” 　　东岸爵士吧，下午3点，室内光线昏暗，临窗摆着一组架子鼓、一台钢琴，墙上挂着黑白照，窗外垂着绿柳，后海波光柔暖，老北京味道的春天，散发着老电影里的诗意。“我就是一个春天的花朵，正好长在一个春天里，因为我的骨头也是蓝的”，崔健《蓝色骨头》的歌词里也写着诗的寓言。待到他单枪匹马掀开门帘走进来， 见惯明星排场的一群人都愣了。白底红五星棒球帽，深色夹克，别无旁物，表情温和，正是崔健。　　前两天刚从伦敦的录音棚飞回来，他正忙活着新专辑后期，这张原计划去年推出的专辑又被推迟了一年，因为他要求完美。而他出上一张专辑还是2005年，《给你一点颜色》。他用10年时间琢磨一张专辑，这还只是他的第六张专辑！人人尊称他“摇滚教父”，他自愧出专辑太少。都市里人们脚步匆匆，脸上写着“我很忙”，茫然或骄傲。崔健的表情和动作透着不慌不忙。“创作是一种对自我的表达，而创作能量是需要蓄积的。时代变化太快，我不想把自己未经深入思考的东西匆匆表现出来。” 　　在文艺后生们眼里，上世纪80年代是个理想主义的火红年代，虽然很多80后、90后已经不太了解那段历史。让我们把时针再次拨回到差不多三个十年以前。1986年5月9日，在北京举行的“纪念国际和平年”百名歌星演唱会上，崔健身穿好友王迪父亲的一件旧褂子，背一把吉他，一个裤腿高一个裤腿低蹦上了舞台，“我曾经问个不休，你何时跟我走”，当他唱出《一无所有》，没人知道那一刻将会成为一再被重温的历史经典，那一天将会作为中国摇滚乐的生日被铭记。这一决定性的时刻，将崔健一步步推向摇滚乐的神坛。他认为，自己不过是一个幸运儿，时代的赌盘刚好转到了跟前。“有人说《一无所有》是人权象征，是物质贫乏阶段寻求转变的一种呐喊。真正做音乐的人会觉得这么说太做作了，它就是自由娱乐精神最早的表现。摇滚乐最初最重要的贡献就是自由娱乐精神，所谓英雄，其实是一种扭曲......你们千万别把我当成一种思想，我就觉得摇滚乐最好玩。”　　欣赏崔健的学者周国平认为，“他是一个思想者，在中国当代音乐家中，这是少有的特质。”和崔健同期书写神话的摇滚巨匠，有的疯了颓了，有的幽闭隔世，他在出世与入世之间，小心翼翼走出自己的节奏。随波逐流容易，逆流而上却千难万阻。他是一个观察者，更是一个思考者。“我们的时代有很多特别优秀的人，不光在音乐领域，各行各业都有。但市场发展太快了，大潮一过，你的根基如果不深，一下就漂走了。我的创作周期长、作品少，因为我也经常被带走。刚有感觉，一个大潮来了，再落地已经没了感觉，又得等，好不容易等来了，又被带走了......周围所有人都在变，在世界范围内，历史上可能就我们这代人经历了如此多骤变。在变化的旋涡中，想要脚踏实地，需要力量和实践。”　　他用熟悉的乐器打了个比方，就像一个镲心儿，你打这边那边翘起来，打那边这边又翘起来......转了一圈你发现，镲是斜着的，你就像镲片中心，这个角度看中心是仰视，那边看就是俯视。“你会经常怀疑自己、讨厌自己，同时又自恋，这才是一个正常的人。一个人想坚持自己，其实是在怀疑自己的过程当中完成的。你不要一怀疑就认为自己软弱，人就是在怀疑自己软弱的时候才坚强起来的。如果没经历任何事儿，也许都不知道是不是被愚弄就被带走了。一个伟大的人就是一个伟大的平衡家。”在专辑《给你一点颜色》中，他写了《红先生》、《迷失的记忆》和《蓝色骨头》三首歌，分别代表着三种颜色，红色代表人的心(自在)，黄色代表人的身体(本能)，蓝色则是人超越后的智慧(存在)，实际上就是追求一种平衡状态，他已然步入了象征理性主义的蓝色年代。　　“我一周三次跑步，加上一次游泳”，已过知天命之年的他没有不良嗜好，长期坚持锻炼身体，自认为演出状态不输从前，健康形象一反我们印象中的摇滚明星。对于品位他自有主张，他常常光顾画廊，喜欢琢磨艺术家脑子里的想法，但并不刻意附庸风雅。“设计最大的意义不是风格，而是让空间成为人的归宿。我的家里墙上干干净净，什么画都没有。我还是靠耳朵捕捉信息的人，如果靠眼睛，墙上挂个东西，看它看到第三次我就想换地儿了。很多人说，你这样生活没品位，其实不是没品位，反而可能是品位过重......”　　10年没出唱片，很多人质疑崔健创造力衰退了。到底什么是摇滚乐的本质？崔健一直在思索。他认为，“真正的摇滚乐具有很强的冒险精神，拒绝停滞不前。中国的文化传统里看不上那些傻呵呵的冒险者，只会对冒险之后的商业成功一拥而上。我不放弃，每次都试图把头伸出来，啪一棒打一下我下去了，再找另外一个缝再试图伸一下......”与那些体现娱乐消费性的口水歌和当下盛行的犬儒思想不同，他仍然试图在音乐中表现“严肃的、有力量的、理想的东西”。 “市场是年轻人的，人们更关注年轻人，自然觉得年纪大的人就慢，哪怕他忙到累死，你也觉得他慢，其实这是一种假象。”虽然作品少，崔健在创作上一点儿不懒，大量时间都在工作室度过。他还一直在各地办演出，“现场演唱”一直是他追求的生活方式。 photographer：许闯 make up：郝维(东田造型/m.a.c)writer：wendy wang、唐建平 editor：wendy wang

<img src="//img1.selfimg.com.cn/wad999ru/2016/07/29/1469783486_zolfgh.jpg" style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: 15.552000045776367px; white-space: normal;"/> 徐震，著名当代艺术家，2005年创立“没顶公司”，定位为商业艺术生产公司，徐震自称“没老板”，后推出“徐震-没顶公司出品”，将“徐震”作为当代艺术品牌推出，同时间成立“没顶画廊”，经营新锐艺术家。近期在上海龙美术馆推出“徐震艺术大展”，图为与其新作“天下-20岁系列”。在访问中，徐震说自己和艺术之间的关系，就是理科生和数学证明题，中间不容含糊，每天至少8小时工作，每个方案清楚记在电脑和手机的note软件上，他的“没顶公司”就像科学家背后的研究团队，而展览则是一次次的研究发表。 徐震“ 没老板”没恐慌 　　在他创立的“没顶”公司，人称“没老板”的徐震，说自己从没有创作恐慌症，总感觉还有下一个作品诞生。 　　徐震经常把人们对他“坐直升飞机上来的中国新锐艺术家”的形容拿来自嘲，也愿意毫不谦虚地说自己是天才，去年龙美术馆请他为开馆首展策划，国内外大师们的画作，被他简化成“1199个人”:不论圈内地位排名，清一色照画面上出现的人物数量做排序，看似一场闹剧的背后，其实徐震做艺术的目标比谁都清楚，态度比谁都严肃:“排除现有的10000个可能性，在很熟悉当代艺术的前提下，创造第10001个可能性。”　　被《纽约时报》称为“有胆识的艺术家”，在徐震形容自己就是个“单科特别牛逼的理科生”，“15年来我一直在做，然后看到旁边的人一个个倒下了，这时我才发现自己很牛。”战斗的心情是一直都有的，徐震给自己艺术家角色下的注脚是把真实和欲望两张牌适时流畅打出，商业和艺术是唇齿关系，例如他曾经盖的“香格纳超级市场”，外观像一家在中国街头能见、再普通不过的便利店，里头摆的全是真的商品，除了商品内容全被奇妙地抽空了以外，这仿佛安迪·沃霍尔当年展示的布里洛盒子，但徐震在此将艺术商品化的时代特征表达得比沃霍尔还要明确:人们走进这里能自由选购，还能在收银台结账后拿到发票，“我们和安迪·沃霍尔都是属于波普类的，但我们更具时代特征。”沃霍尔这道数学题方程式，显然在同行徐震看来，并不是太难。　　说到商业和艺术，从徐震到没顶，去年以推出“徐震-没顶出品”的品牌形式又让“徐震”重返江湖，人们总要问徐震到底在搞些什么？“今天的当代艺术或是各种文化，比如变形金刚，是不是哪个导演拍的，好像也不重要。”没老板带领的没顶，将“徐震”作为品牌推出，坦率地承认并同意“艺术家等于品牌”的当代艺术现象，更将这个现象活生生地带到人们面前。“世上只有两种人，一是牛逼的人，二是看着牛逼的人怎么弄的人。我告诉我的同事，来我公司上班很简单，就是怎么用好我这个人，把我当成职业运动员，逼迫出我的潜能来。”徐震在没顶公司里的职称叫“没老板”，每年工作在前一年定好80%，公司团队分为好几个组别，分别负责雕塑、布艺、油画、行政等等，说是逼迫出徐震的潜能，其实更像是团体作战，实现每个他在电脑、手机note软件里的构想。　　“所有艺术家都有创作恐慌症，一做出好作品就恐慌。5年前我很慌的，现在不了，因为我做了无数次实验发现，我还有下一个作品，我没见过比我勤奋的艺术家。”他说，光是3月就有4个展览，其中还包括了龙美术馆的“徐震大展”——他历年的作品以数量重复且体量巨大的形式做展示，颠覆了人们观看艺术的视角，“虽说艺术是有感而发，但感觉它会疲惫的，所以艺术做到一定时间，需要理性支持感性，然后用感性去驱动理性，我看很多艺术家的作品，一看就知道他做的事，我做不做得到，就像看一道数学题，你一看就知道解不解得出来。”徐震说，jeffkoons就是他解不出来的题，“他的人、作品到商业模式从过去到现在都完整在一条线上，这个我没办法做到，因为我没法改变过去。” photographer：johan sellén stylist：judy zhu writer：许绿芸 editor：夏金婷

<img src="//img0.selfimg.com.cn/wad999ru/2016/07/29/1469783489_i5qjji.jpg" style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: 15.552000045776367px; white-space: normal;"/> 超高建筑总会带来比其他建筑更多的争议。夏军给出了一个更为辩证的观点，“超高建筑就像一颗种子，对‘土壤’的要求非常高，并不是每片土地都适合它。陆家嘴需要也有能力承载一栋这样的建筑，但其它地方就难说了。” 在过去适逢中国建筑高峰期的10年左右的时间里，作为一家大型商业事务所的带头人，夏军带领的中国团队所完成的项目加起来，甚至足够匹敌一座中小城市的总建筑量。 夏军 改变上海天际线 　　也许你已知晓关于中国第一高楼“上海中心”的各种奇迹和第一，但对于这位长期隐在公众视野背后的建筑师，究竟是怎样改变了上海天际线，又有着怎样的经历和个性，谁都对此十分好奇。 　　夏军握着手机，脸上掠过一丝焦虑。“这里没信号？我有个电话必须要打。”上午10点半，一个忙碌的工作日已经展开，此时我们正身处即将竣工的上海中心大厦119层——632米的城市最新制高点，可以轻易俯视整个陆家嘴和旁边的金茂大厦，以及上海环球金融中心。几个月后便要正式开幕的上海中心，施工正在进行最后的冲刺，业主方也已将临时办公室搬至楼内。作为全球最大的建筑设计公司gensler的中国区负责人，夏军和他的团队已为这个代表上海新高度的项目工作了八九年。我们很快发现，在工地现场遇到的几乎每一个人都认识夏军，并热络地跟他打招呼。　　采访当天，夏军身着灰色西装，助手还多带了两件黑色外套，“其实我没什么衣服的，而且在结清(上海中心的)设计费之前都不能买新的，所以还必须要保持身形。”夏军一边开玩笑，一边轻描淡写地调侃了一下这个略为敏感的话题。　　打完电话他显得轻松了许多，解释说对方是美国环球影城的高层，来上海出差，约着见一面。“十几年前，他们想在上海开环球影城主题乐园，我们负责整体规划设计。当时设计已经做得很深入了，但计划有变，项目就这么停了。”接下来，上海选择了迪士尼，而环球影城选择了北京。夏军没有多谈，把话题点到为止。一个庞大的规划瞬间止于图纸之上，类似的情况我们时常能够从国内建筑师口中听到，尤其十几年前正好是gensler刚刚进入中国的时候。“上海办公室最开始只有我一个人，地点在南京西路波特曼酒店。”这说的是2000年左右的事儿，当时他已经是gensler的副总裁，他用了3年多的时间建立上海办公室，期间频繁往返于上海和美国丹佛。公司创始人gensler先生此后回忆起这个过程，总要对这位开拓中国市场的最大功臣盛赞一番，“夏军几乎认识这里的每个人。”　　然而事实上，他在设计领域的过人之处，尤其是决断力，早在此前便有所显现。生于1963年的夏军是一位土生土长的上海人，1984年从同济大学毕业后便只身前往北京中国城市规划和设计院工作。“主要就是好奇，那时从来没去过北京，感觉充满了不可知。”夏军在北京过的是集体宿舍生活，“都是年轻人，来自各个地方，却没有地域隔阂，也不存在什么本位主义。”当时的设计工作大多跟建设部有关，也需要经常出差，夏军觉得这样的工作和生活没什么不好，但他还是决定将脚步迈得更远一些。告别工作了3年的北京，24岁的夏军来到美国科罗拉多大学攻读建筑硕士学位。尽管当时他没什么经济基础，建筑师留美也不像现在这么普遍，但回想他也并不觉得困难，尤其那充满张力的美国西部文化和大尺度的地域风光让他感到非常适应。丹佛这座城市让他找到了归属感，而gensler成了他深造之后唯一供职的公司。　　夏军为人低调严谨，如今已是公司董事会成员，但名片上依然只印着设计总监的职务。在采访过程中，他几次想把话题从个人经历转到公司项目上，尤其谈到如何在不到10年的时间里从普通建筑师变成gensler的副总裁时，他更是将重心放在对公司的称赞上，对于自己则三两句带过，语气中听不出一点起伏：“可能因为我比较努力，很多时候为别人想的相对较多。”如果将他二十几年在gensler参与所有的建筑项目面积加起来，恐怕可以轻易超过欧洲一座中小型城市的建筑面积总和。在这超过百余个项目当中，上海中心大厦无疑是非常特殊的一个。作为上海陆家嘴三座高塔的最后也是最高的一座，上海中心在2006年正式展开设计招标，与gensler一同参与竞标的还有另外两家专业的超高层设计公司som和kpf。夏军和他仅正式成立两年多的上海团队凭借着出色的设计和更为人性化的概念拿下了这个万众瞩目的项目。　　毋庸置疑，上海中心建筑外形，一定且必须能够展现这个城市对现在的理解和对未来的抱负，它是整个城市发给世界的明信片，在文化表达和建筑设计两方面，夏军和他的团队都要给出一个完满的ag尊龙凯时的解决方案——上海中心呈螺旋式上升的外形不仅代表了一种关于“未来”的形态，同时也有效地减少了24%的风压。“这样的旋转式外形，符合上海水性的地域文化。设计的时候，我们把旋转的角度从90度开始按10度量级递增，一直到180度，通过模型比较和风洞实验，发现120度是美学与风工程学的最佳结合点。”夏军说，最后120度的旋转体“一锤定音”。“同时旋转120度，恰好是圆的三分之一，能够与另外两栋超高建筑形成呼应。”在环保方面，设计师为建筑创造的双层“皮肤”使建筑外墙与内部空间之间多了一道虚空间，类似保温水壶的结构原理，因而有效地降低了因内外温差而产生的能耗。　　然而让上海中心有别于其他超高建筑的，还是在于建筑内部，设计师提出了一个社区的概念。“整栋建筑就像是一个拥有垂直交通的微型城市，建筑中的8个大堂就像是社区中心，人们可以在其中会面、交流。”这样的设计为今后垂直城市的发展提供了一种新的可能性。从超高层虚空间到垂直城市中的社区，这些未来概念其实很多都来自于夏军儿时对上海弄堂的记忆。“小时候搬过几次家，住的都是尺度不大的旧式里弄，狭窄然而有着相对开阔的纵向空间，可以跟小伙伴踢球、斗鸡......”夏军很看重这种建筑间公共空间所承载的关乎使用者情感的部分，他认为盲目追求建筑使用面积并不可取。“一个好的商场，得房率最多50%。像这样钢筋混凝土的大楼，如果每层全部做满，人待在里面是要发疯的。这就像我们中国人所说的有和无的关系，建筑中的‘无’和‘有’同样重要。” photographer：朱海@elephoto stylist：judyzhu writer：王瑾 editor：夏金婷

<img src="//img1.selfimg.com.cn/wad999ru/2016/07/29/1469783511_pudoxu.jpg" style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: 15.552000045776367px; white-space: normal;"/> 徐静蕾 悠长假期 　　会休息的人才会工作，老徐再次证明了这条颠扑不破的真理。在一个忙得能让人丢了魂儿的时代里，她是一个总在激流勇进时突然停下来放空的异类。 　　徐静蕾的微博个人说明一栏写着“游民，偶尔工作狂”。“一直以来，我都是这样一种生活状态；每工作完一段时间就要出去度假，把之前所有的都清零，从头开始。工作本身也是为了更好地生活，为了生活更有意思，不能本末倒置。” 　　老徐又休假了。上次休假是在2011年底她自导自演的电影《亲密敌人》上映之后，一休就是两年。她到世界各地旅行，在一个地方一住几个月，还在纽约上语言课。休假带给她最大的感触是生命里弥漫着温暖的爱意，这让她变得更软和了，于是催生了温柔浪漫的作品《有一个地方只有我们知道》。电影上映之后，此起彼伏的舆论硝烟还未散尽，她已从娱乐版头条潇洒着陆，飞到了洛杉矶度假。公众似乎也习惯了她神龙见首不见尾的游侠作风。“我是个喜欢温暖的人，洛杉矶恰恰就是这样一个一年四季阳光明媚的城市，可以随意逛超市、看电影，想做什么就做什么。每天最大的工作就是安排自己学点儿什么。最近爱上了缝纫和烹饪，报了个裁缝班，买了堆布料在家给自己做衣服。还计划要不要报一个烹饪班。”她也不像从前那样高冷，甚至开启了自拍模式，在微博上晒做平板支撑的完美身材，晒各种街头小照，穿着格子衬衫、自制短裙走在洛杉矶的晴朗天气里，脑后随意扎了条辫子，依稀变回了多年前那个偶像剧少女。她时不时捡起画笔，浴室顷刻变身画室。她理想中的家不管看起来还是用起来都要简单自然，“让人觉得舒服就好，没什么特定风格”。她想多尝试一些自己一个人就能做的事。　　她曾说，电影是一种节奏艺术。人生又何尝不是？全世界的女人都怕老，女明星更怕。年过40的老徐却兴冲冲宣告，“现在的状态和节奏是活这么大最满意的阶段，越来越清楚自己想要什么，活得很自在。工作就全心投入，玩就尽情尽兴，每一天都特别开心。”哲学家萨特说，“人生本无意义，但是如何摆脱虚无却是有意义的。”老徐曾经也很迷茫，“不知道自己要什么，只知道不想要什么，所以会想着去如何摆脱那样一种状态，也不是说有什么具体的方式方法，一切都需要时间。”大学刚毕业她想结婚生子，如今她认为相爱未必要结婚，而世俗所谓的感情和经济安全感对她来说更是多余。她很清醒，不让自己轻易被女权主义的名头绑架，“在家我还希望自己可以少些意见，多听家里人的。我也不觉得女人一定要怎样，一定不可以怎样，每个人只要遵循自己的判断和标准就好了。”photographer：黎晓亮 writer&editor：wendywang

<img src="//img0.selfimg.com.cn/wad999ru/2016/07/29/1469783480_xjvjhj.jpg" style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: 15.552000045776367px; white-space: normal;"/> 万捷，雅昌文化集团董事长。出生于书香世家的他，从小就在充满书籍的氛围中长大，从上大学起更是频繁地接触摄影、绘画和音乐。这些生活经历，对他后来将雅昌从一家印刷排版公司发展为服务于艺术的文化集团来说，无疑是一种铺垫。 万捷 纸短情长 　　对于实业家万捷来说，即使他的雅昌成了“大象”，也还是会继续坚定地在自己最亲近的纸张上起舞。不同的是，他早已转换了这支舞曲的节奏，把自己的舞步调整到这个时代中国人想去的方向上了。 　　2000年，一位在硅谷从事印刷行业的老华人把自己终于获得第50届benny award(美国印制大奖)的消息告诉了万捷，已经快要退休的他，一直把获得这项世界性的印刷大奖当作毕生的追求。此后，为了解世界范围内同行的水准，万捷也开始带领他的雅昌彩色印刷公司拿出作品去参评。不想仅仅到了2003年，他们的《梅兰芳藏戏曲史料图画集》就获得了最高荣誉benny金奖，随后这本书又获得了德国莱比锡“世界上最美的书”唯一金奖，令雅昌一战成名。 　　虽然这套图书的装帧设计处处体现着中国传统书籍的朴素之美，然而得奖的奥妙不仅仅在于它的中国特色。梅兰芳先生所藏的古本脸谱，大都用矿物颜料绘制而成，但为了保留中式图书的古韵，又不能使用易于显色的现代铜版纸。为此雅昌特别采用了一种8色还原技术，真实地再现出那些脸谱和戏装杜原貌，正是这一点打动了各国评委。自此以后，品质与设计成了雅昌的关键词，万捷每年从美国捧回的benny小金人也越来越多。但是对他来说，醉翁之意却不在于那种荣誉加身的微醺状态，而是为了能在追逐奖项的过程中，慢慢把国际评奖的标准固化成雅昌制造的标准，带动公司不断进步。　　如今在雅昌位于北京的展厅中，陈列着他们印制出的各种图书，不但排版、印刷精美，装帧更是考究。带盘扣的丝锦布匹、印有图案的厚实皮革，以及雕刻花纹的珍贵木料，都被用来做成书籍的封皮或外包装盒，让人感到创意无限，甚而有些奢华。万捷认为与烟、酒、月饼这种快速消费品不同，书籍是人类文化的精髓，一种学习和思考精神的物化，因而值得好好制作，让得到它的人奉若珍宝。“德国人说‘艺术能抵抗遗忘’，如果你站在历史的角度上看，历代能真正被好好保护和流传下来的东西，在当时大多也是一种奢侈品，是值得人们珍惜的东西，我们就是要做这样的东西。”　　对品质的苛求，让诸多艺术家、摄影师和奢侈品牌纷纷找到雅昌来为他们印制图书和画册，与这个圈子的人合作，接受更多艺术与灵感的浸润，也让万捷找到了适合自己的新节拍。出生于书香世家的他，从小就在充满书籍的氛围中长大，父亲对西洋古典乐的热爱、对生活物件的遴选，带给他一种耳濡目染的熏陶。他至今因循着一种亲近艺术、热爱美食、收藏好物的生活态度，连办公桌上的一只笔袋都要求有顺眼的色彩，用北京人的说法，就是喜欢“讲究”。领导一个有几千员工的企业，怎么还有那么多的时间和精力去讲究？万捷说如果养成习惯，那么讲究就成了一种随意即可达成的东西，不需要花很多时间去刻意为之，公司经营也是一样的道理。 photographer：peter le stylist：韩健 writer：莎莎 editor：wendy wang

<img src="//img0.selfimg.com.cn/wad999ru/2016/07/29/1469783485_dxvjgp.jpg" style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: 15.552000045776367px; white-space: normal;"/> 杨明洁，国内首位囊括if、德国红点、日本g-mark、美国idea奖项的设计师，也是首位进入米兰主展馆展出的中国设计师。图为他两年前创办的“杨明洁设计博物馆”，这也是中国第一家私人工业设计博物馆，去年与全球艺术与设计博物馆标杆的英国泰特美术馆一同入选英国surface design award。 杨明洁 没有时间表 　　产品设计的时间表比很多领域紧凑，从开始到结束，短则一个月，长也不超过一年，这样的快节奏走久了，杨明洁却在两年前开始慢下脚步。 　　每回和杨明洁聊天，总会提到什么是好的设计，而每次他的回答里，总会提到苹果。确实，若说到成功的产品设计，得提到苹果，它完全符合杨明洁的座右铭“简单是一种不容易实现的精神。”而他却也清楚，“没必要追赶苹果，做设计要耐得住性子，把节奏慢下来。”　　杨明洁不是一开始就知道要放慢速度的。10多年来投入工业设计，留德至2005年回国创办设计公司，在两三年前，杨明洁交出了亮眼的成绩单，“产品设计和家具设计不同，不讲风格，很直接地就是沟通人和物之间的关系。”于是他和国内外品牌打交道做产品，和所有的设计顾问公司没有不同，项目从提案到结案根据明确时间表，同时为了打响名声让公司和国际设计机构平起平坐，杨明洁带领公司投德国if、红点等国际设计奖项，总共也拿下了六十几座，一切都踩在急匆匆的节奏上。　　这么近距离观察中国产业发展，曾有段时间，他提出“设计的国家性”，针砭中国因未经历过工业革命而使设计无法与产业链接化，他经常公开批评中国山寨问题，“德国设计走到包豪斯，意大利的设计蓬勃，是产业相互支持所致，中国进入当代设计等于直接捡拾国际设计语言，自然只有山寨。”尽管公司业务在前期快速扩展，杨明洁也总奢侈地给自己很长的独处时间。向来就习惯单打独斗的他，即便和国内叫得出名的设计师“老侯哥”侯正光、吕永中、王扬都是好朋友，但从来也只是君子之交，就连公司都设在遗世独立的上海外环宝山区，这还不够，他还常自己一个人关在六七百平方米的办公室里，同事们说，“他老是一个人躲在里面，一天半晌都见不到人，他就在里面想事情。”办公室外观看来没有一扇对外的窗户，墙上满是爬墙虎，杨明洁就经常这么在里头关上整天。　　大部分的时间，杨明洁在想“人和物之间的关系”，在这个既巨大又微小的命题里，产品设计师是直接面对并处理这层关系的角色，因此在杨明洁的生活里，观察和自问自答变成了一种常态。从创办公司至今，杨明洁的专业道路和中国整体企业环境发展总保持相应的节奏。几年前，当中国企业开始提倡自主设计，他的公司发展也稳定了，便开始分离出yang design和杨明洁设计两个方向，前者继续设计顾问服务，后者则更多能做些“真的想做的事”，其中包括了公益项目、设计博物馆、新手工艺运动，“这些事情一开始跟赚钱可能没有关系，但长远看来是有意义的。”说白了，他开始将速度慢下来了。　　比如接下了中国著名公益机构壹基金的帐篷设计项目，他就想到，中国发生天灾时，救灾单位发的帐篷，上头毫不留情地写着“救灾帐篷”四个大字，“没道理！进出这个写着救灾的帐篷，灾民住在里面会舒服吗？”因此杨明洁和壹基金合作设计救灾帐篷，除了改善了通风、隔热等使用功能，还把这四个大字拿掉，“这不只为了美观，还基于拥有者经验。”除此之外，一年前他也将博物馆的构想实现。5000多平方米的旧工厂改建成设计博物馆，杨明洁之前从没做过室内设计，但初生牛犊的热情，使他愿意边做边想，博物馆也就这么做出来了。长达10多年的时间，他醉心收集英国工业革命后的批量产品，如收音机、剃须刀、磅秤等工具，企图拼凑出那段中国缺席的工业设计时代，将博物馆分成过去、现代和未来三部分，后两者则展示他过去的设计作品，而这也是中国第一家私人工业设计博物馆，去年与全球艺术与设计博物馆标杆英国泰特美术馆一同入选英国surface design award。　　而今，当微信开始铺天盖地充满我们的生活，杨明洁又在思考虚拟和真实的问题：“人们正同时往虚拟和真实两个极端方向走。虚拟，指的是互联网造成的信息爆炸，人们对刷手机上瘾，没有机会去考虑是否接受这么多垃圾信息，人的互动在虚拟中完成，也因此对真实、质感显得更加渴望。”使他开始这段思考的契机，其实是苏州市政府找他合作手工艺项目。事实上，两年前朱哲琴就曾找他加入“世界看见”，“我很对不起朱哲琴，折腾了半天，也没做成什么。”他说，当时没把手工艺和当代设计之间关系想清楚，没办法说服自己继续下去，这回他再次挑战，是以“产品设计”角度出发，希望能让这个结合不只停留在概念模型，而更重要的是进入“量产阶段”，“持续很重要，如何做出成功的商业模式，这我比较清楚。” photographer：吴俊泽 stylist：patricia ketelsen writer & editor：许绿芸

<img src="//img0.selfimg.com.cn/wad999ru/2016/07/29/1469783506_apsa7i.jpg" style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: 15.552000045776367px; white-space: normal;"/>如今他的时间和精力仍然集中在酒和设计两个领域，但已然是从建筑师思维转向商人思维的完成时了。 马清运，马达思班建筑事务所创始人，现任美国南加州大学(usc)建筑学院的院长。从酒庄到设计发酵站@all“，建筑设计已经不再是一种个人价值与能力的证明，而是怡情之举”，而他的建筑师身份也只是在这些繁多的项目中若隐若现地体现出来。 马清运 二次创业 　　现已进入第二届任期的美国南加州大学建筑学院院长马清运，除了在美国日常的“三挖”事务，已然开始在中国着手正处于“孵化”期的“二次创业”。而建筑师的身份在他各项繁复的工作中反而显得若隐若现。 　　自2006年底出任美国南加州大学(usc)建筑学院的院长以来，马清运似乎就从中国公众的视野中淡出了，即使在他担任合伙人的马达思班建筑设计事务所的网站中，关于马清运的信息也只更新到2010年：他与rem koohaas、zaha hadid一起被美国《商业周刊》评为“全球最具影响力的设计师”。一方面是因为这几年他在国内少有引人瞩目的建筑项目，且很少接受媒体采访；另一方面也是他在想、在做的事情，还需要费些时力才能厘清。　　显然，马清运并非“建筑实践”式的建筑学院院长。接受我们的采访是在加州的傍晚时间，正是他一天中“高能量时段”的开始，也就是所谓“挖钱”的黄金时间，“出席各种晚餐和酒会，几乎天天如此。所谓高能量，就是在这种社交活动里，你要不断说话，要让自己觉得有意思，还要让所有人都觉得有意思。”高度总结、高度标题党是马清运的幽默之处，他用“三挖”来描述他在美国的院长生活：挖钱，挖人，挖墙角。“‘挖钱’是指为学院筹集运营资金，让学院有经济能力‘挖人’，聘请更多有能力的教师来讲课，最后以整体教育质量的提高来提升学院在全美高校中的排名，这是‘挖墙脚’。”　　“刚来当院长的时候，usc有点老态龙钟的感觉。我上任之后，加强了数码设计和数字化探讨的地位，增加了10个终身教授的职位，同时全世界挖人来上课，短则一个学期，长则三年。欧洲、美国、亚洲所有重要的或者刚崭露头角的设计师都在我这儿上过课，国内建筑师里张永和、刘家琨、马岩松等也都来过。”学院的名声很快被抛光打亮。马清运初任院长时，usc建筑学院在北美还排在十名以外，“到我第一个任期的最后，我们建筑学院全美排名第五，是有史以来最高的一次。”　　马清运的典型一天大略可以分为四个时段，从亲子与健身开始，6点半起床到9点半，占时不多，却是不可缺少的重要内容。9点半到下午两点是开会时间，会议内容包罗万象，但大多和学院工作有关。usc建筑学院有140名教师，“任何一个决定都会影响很多人，而只要涉及到个人利益和兴趣，开会就要每个人都谈到。”午餐之后到下午7点是他的创作时间，容纳了写作、画草图以及学校之外的其他工作，包括设计事务所、画廊等的管理和沟通工作。“不过最近好像也没什么时间画草图了，基本都在玩微信。”他笑着说。　　马清运现在正在他的第二个五年任期上，任期明年就要结束，虽然美国私立大学院长可以一直连任，但他已经开始着手人生的第二次创业。第一次创业是1995年回国之后创办马达思班和玉川酒庄，马达思班至今仍然是国内不可绕过的明星事务所之一，规模稳定，业务量稳定；他在故乡陕西蓝田创办的玉川酒庄，通过将酿酒、建筑与生活方式的结合，使玉川红酒成为市场占有率虽然不高但却名头甚大的红酒品牌。20年过去，马清运的第二次创业仍然集中在酒和设计两个领域，但已然是他在拥有更多社会资源、更宏观的国际视野，从建筑师思维转向商人思维之后，对事业线索的重新梳理整合。　　建筑师身份只是在这些繁多的项目中若隐若现地体现出来，“雌雄同体”也许是个确切的词。对于马清运来说，建筑设计已经不再是一种个人价值与能力的证明，而是怡情之举。他设计自己在洛杉矶的住宅，为自己投资的酒庄设计餐厅和精品酒店，偶尔也为朋友设计住宅。“和一个建筑相关的有三类人：投资人、建造人、使用 人。我对建筑的参与方式有很多，不一定只是设计。”　　5年前，马达思班在陕西玉川酒庄的基础上成立了果然酒业，主要酿造柿子酒。3年后，果然酒业的营销中心从西安搬到了北京，还在平谷建了果酒酿造厂，开始酿造桃子酒，保留陕西的生产基地。同样是酿酒，葡萄酒与柿子酒、桃子酒的定位明显不同。“葡萄酒价格越高越好，卖的地方越高级越好，宁可存多不卖多。但果酒完全不同，它应该是一种大众化饮品。”目前除了北京和西安两个已有的生产基地，还将在山东建设新的酿造厂。果然酒业出品的柿子酒销售价是每瓶180元，虽然你很难真的在市场上找到这种酒。　　陶渊明扛着锄头出门，不是奔着好收成，而是去看南山。马清运搞酒庄，也不是为了挣酒钱。在未来的果酒运营中，他设计了农村与城市之间的两条通道：城市到农村是体验型，让想要回到农村的城市人参与果酒生产过程，在这个方向上，他为平谷的酒庄设计了果然食堂，在玉川酒庄设计了名为“酒舍”的青年旅舍，都是以设计为体验型消费增添附加值的示例；另一个维度上，他希望把果酒变成有市场占有量的快销品，和年轻人一起塑造新的都市文化。“在没有价值的地方发现价值，在有价值的地方增加价值，在我看来就是设计。”“前建筑师”马清运终究还是脱不开建筑师的情怀。　　从小试牛刀的玉川酒庄到准备产业化运营的果然酒业，背后都有一套“农村都市主义”理论作为背书。农村都市主义的理论，最初是和陕西蓝田的玉川酒庄一起出现的。然而奔着千吨级生产规模的果然酒业不同，大产量意味着大规模厂房兴建、大量劳动力雇佣，意味着当地生态与生活结构不可逆的改变。“蓝田对于介入到农村剩余劳动力的影响其实还不是很大，就是因为它的尺度太小。”马清运说，“农业的深加工一定要给农民带来尊严，这个尊严是对土地的尊敬，这才是农村都市主义精神。通过果然酒业这样的经济规模，可以更好地呵护和养护有示范性的农村开发的做法，包括我现在做的山村和精品酒店。”　　落户于北京751艺术区的@all也是他二次创业的重要内容，他将之称为设计发酵站。@all的工作是发现并投资年轻设计师，包括所有门类设计。现在已有20多位年轻设计师，都是两三人一组的小团队。发酵站提供免费的办公场地，也帮助他们做一些财务管理的周边工作，提供客户和业务资源。机构拥有这些小公司从20%到51%不等的股份。基于这个设计发酵站，@all未来还会搭建一个再教育平台，“没有学位，就好像是设计界的长江商学院。” photographer：雷坛坛 stylist：韩健 writer：贾布 editor：夏金婷、wendy wang

<img src="//img0.selfimg.com.cn/wad999ru/2016/07/29/1469783492_yf3yfp.jpg" style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: 15.552000045776367px; white-space: normal;"/> 林瀚，新锐收藏家，m woods美术馆创始人。1987年6月出生于北京，14岁留学新加坡，毕业于英国诺森比亚大学(university of northumbria)动画设计专业。2011年开始涉足艺术品收藏领域。2014年，在北京798艺术区筹建m woods，打造世界最年轻的私人美术馆。 林瀚 勇者少年 　　“我还年轻，有勇气推翻自己。”凭着一股令人侧目的少年之勇，林瀚迅速从艺术爱好者跻身重要藏家之列，再建立起私人美术馆。如今的他更以艺术为信仰，准备进行一次长远而缓慢的布道。 　　赶到美术馆时，林瀚脚踩着一双经典老款耐克球鞋，条纹运动袜上面竟然搭了条运动短裤。其实，如果不考虑他美术馆创始人的身份，这身打扮倒很合适，年轻、张扬、浑身是劲，他给多数人的印象就是如此。这一身运动员才有的肌肉，跟文化艺术的调调着实不怎么般配，但跟他在艺术圈接二连三的举动却合拍得很。 　　自2013年年末介入当代艺术收藏以来，这个彼时刚年满25岁的年轻人，就以其迅猛的步调成为了同行中最受关注的一位。他在拍卖场上与业界大佬们一争高下，拿下了曾梵志早期代表作《面具》系列的一件作品。很快，又因在一年半内狂购近200件当代艺术品，一跃跻身中国最重要的艺术收藏家之列。及至2014年10月，他创立的私人美术馆m woods在北京798黄金地段开业，青年藏家这个称谓对于他来说都略显陈旧了。人们常用瞬息万变来形容现代社会，对林瀚则要用到“生猛”这个词，因为单单快还不足以描述其个性。林瀚说他打小就是个“特别敢”的人，思前想后做决定的事情他从来都不会。“原因很简单，与其将时间花在做决定上，倒不如把时间花在做事情上。没人听说过少节不保吧？好像只有晚节不保，我还年轻，有勇气推翻自己。”　　“艺术对于我来说就是信仰，建立m woods，就好比教徒捐钱去修建教堂。这里不光要带给观众最好的艺术，还要让他们知道艺术应该如何被对待。”因此，m woods实行预约参观制，近200位经过培训的高校志愿者可以保证每位前来的观众都能获得专业的导览。美术馆对于作品的挑选、展期的设定及其他艺术项目的开展，也都遵循着另一种节奏。“文化需要时间的积淀，展览的质量既体现了美术馆的气质和品位，也关系着美术馆未来的存亡。”开馆初期他们就已经规划好了m　woods未来3年的展览，为了保证质量，2018年之前，美术馆每年只会做春秋两个特展。“但我们会保证一年做三到四个学术讲座，并发起关于艺术的公共讨论，年底集结成册出版，这是美术馆的责任。”林瀚说，自己从一个艺术爱好者变成藏家，再建立起美术馆，不变的是最初的热情和喜爱，变的是身上的责任。“介入越深，责任越大。”他谈起了自己最欣赏的美术馆，纽约郊外的dia：beaco(n迪亚贝康美术馆)，“dia：beacon最值得称赞的是他们认真的态度，每个细节都无可挑剔，另一点则是他们的专业能力，成体系的极简主义艺术收藏，对于整个纽约当代艺术生态都有着重要的贡献。”从林瀚的语气中不难读出，这也是他对于m woods未来的一种憧憬。 photographer：苏里 writer：knight editor：wendy wang

<img src="//img2.selfimg.com.cn/wad999ru/2016/07/29/1469783497_cq2axb.jpg" style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: 15.552000045776367px; white-space: normal;"/> 向海齐(amber shang)，野兽派老板娘，自小学画，毕业于复旦大学新闻系，曾从事大型娱乐节目导演和当代艺术品收藏。狮子座、爱美、傲娇，因为爱“嫌弃”爱八卦，与设计圈众好友走到一起。自从创办野兽派之后，找到了自己的人生方向——室内设计师，自此“从容”了。她身着的印花连衣裙来自fake natoo。 向海齐 疯狂且从容 　　手机丢在一旁，无视“黑洞”般进去就出不来的办公室，她说，“最佳的节奏就是要快就能快得起来，要慢也能慢享生活。” 　　只这么两三年，几乎无人不知野兽派。一时间，它仿佛从天而降的神兽白马，气势浩然、亮丽洋气地屹立在众人的视线和唾沫尖上。随着微博时代淡出，野兽派带来的甜美刺激刚刚平息，全全包办周迅、高圆圆的婚礼用花，再次抓取眼球。同时仅仅在过去一年时间里，上海、北京、成都、南京连开9家店，一路狂飙，高调不止。　　“表面上大家看到野兽派的门店像春笋一样钻出来，但是很多时候我们是在攒，一路都在看，在感受。就像骑马一样，快马加鞭之前，也会去停停走走，闻闻花香。”amber说自己更愿意把眼界放宽放长远，平时为团队和自己安排大量旅行，闲暇时也不忘阅读自己最爱的武侠小说和八卦，翻建筑图册、艺术图册，兜各种画展。要么在巴黎住些日子，看到好艺术、设计就买上存着，“所以成都店能两周就开起来，如果你需要桌子，而你攒了8张，自然不慌不忙！”　　野兽派的买手团队全球范围搜索供应商，常年奔走于国际设计展会淘货。除了自己专门的创意&艺术团队以及设计施工团队，常年邀请知名室内设计师合作，色彩顾问和概念顾问是一定要有的，全然不是传统花店的运作逻辑。“让我在电梯里登广告，我很小气的，这钱我舍不得。为设计花钱，我却心甘情愿，哪怕是设计师只为我们选了个颜色！”amber说，“专业的视角是不同的，与他们合作，对自己和团队都是一次学习，受益匪浅。”　　同事们送她外号小白鼠，不仅暗指她点子多爱实验，更羡慕她超强的执行力。她自然也付出了超人般的努力。成都新店开业前夕的代价是“一个礼拜睡眠全在飞机上完成”，“迫于无奈，死皮赖脸睡酒店大堂，7点钟被员工赶并身无分文”。应好友孙浚良约的稿，在微信上疯传，坦言“曾经甚是讲究的她忙碌到早已没有了style，也失掉了生活。说多惨有多惨，毫不夸张，真实写照！”　　经济形态在改变，在生活方式领域工作的人越来越多，她攒的人也越来越多。“以前一个做it的人辞职去做蛋糕还是新闻，现在司空见惯了。”她一直关注的，也便是时势。“正如微信，现在大家都在晒吃晒穿，下一步便是晒家。”关注家装的野兽派，便是蓄势待发地要为这一步做准备。“到了时候，就做。不到时候，就攒着。攒了很多想法，遇到对的人，到了对的时候，就能实现。”　　“我经常问来应聘的员工，5年以后想过什么生活？同样的问题问我么？”amber毫不犹豫地说，“室内设计师！你知道吗，在做野兽派以前我是害怕的，不知道老了能做什么，可现在，我从容了。” photographer：雷坛坛 stylist：查吟 writer：颜正研 editor：夏金婷、wendy wang

<img src="//img1.selfimg.com.cn/wad999ru/2016/07/29/1469783492_nb3b88.jpg" style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: 15.552000045776367px; white-space: normal;"/> mike dynan，“设计上海”创办人，英国media10公司创始人之一。曾创办icon杂志、后转向销售，常年负责所有展会销售和赞助，与超过4000多家展商打过交道，每年实现超过2000万英镑的营收。 mike dynan “设计上海”幕后推手 　　“设计上海”才举办两年，已经被期待为全球年度设计热事之一。其幕后推手之一mike dynan，这位热爱拳击的伦敦人，是带着怎样的节奏，拼进上海来的？ 　　自从筹办“设计上海”，伦敦人mike已经习惯甚至爱上了上海的工作节奏。“这里的人都很爱工作。早上6点半就有人约我开早餐会，有时直到凌晨3点半我才结束一天的会议！”正是多年来热爱拳击练习，才令他不仅保持健康的体型，也训练出敏捷的头脑和良好的抗压力。“我一直喜欢同时处理多项工作，这会让我很兴奋。” 　　3月，“设计上海”在上海举办了第二届展览，再次成为国际和本土重要设计师和品牌的大集会。早在年前，wallpaper等知名设计杂志就将它列为和“米兰家具展”、“迈阿密设计展”等具有同样重要地位的年度必看展会。从去年创办以来，“设计上海”已经成为中国最具影响力的设计展之一。这场热闹非凡的展览背后，操控者是刚在上海成立办公室的英国展会与媒体公司media10，他们几乎毫无水土不服地迈出了在上海扩张的第一步。而这关键一步，与这位伦敦人mike dynan大有关系。在决定筹办“设计上海”并成立上海办公室之前，media10合伙人mike和他的同事们整整潜伏了7年。这个总是比别人领先一步嗅出机会的伦敦人，当时就认定，尽管中国经济增长可能放缓，创意行业还有很大发展空间，这片土地会是media10的新机会。而他的工作就是：掐准时机。 　　mike和他的团队每年多次往返伦敦和上海，走访设计公司、观看设计展览、举办焦点小组调研会，“我们和各种人攀谈，问餐厅老板、小店店员、商场购物者，了解本地人对于设计的态度。”直到两 dear年半前，mike乘坐的飞机刚刚落地浦东机场，他就开始不断接到打听media10在上海举办展览的电话，其中也包括后来成为“设计上海”创意总监的ross urwin和darrel best毛遂自荐的一通电话。“那一年，大家听说我来了，竟然通过各种关系找到我。当接到第四个电话时，我就心里有底了，我们的时机来了！”　　于是，vitra来了，magis来了，alessi来了......各路设计大牌前所未有地齐聚上海。刚刚结束的第二届“设计上海”，marcel wanders、jaime hayon等平时只出现在米兰展等国际展会的大牌设计师都到“设计上海”插旗报到，更别说国际时尚品牌的热烈参与，要进到设计上海，俨然已经一票难求。这和media10及mike本人在国际设计舞台上的号召力当然是分不开的。在media10，mike常年负责所有展会销售和赞助，与超过4000多家展商打过交道，每年实现超过2000万英镑的营收。但凡你叫得出名字的著名设计品牌，对他几乎都是一呼百应。早在2002年他就创办了著名的icon杂志，凭借出色的杂志运营和编辑经验，他在举办设计展时会往往有与众不同的切入点，“展览就像一本立体杂志，应当调动起参观者的五感。”　　至于“设计上海”是否会如他所预期的在这片新土壤扎根发芽，现在下定论还为时过早。“眼下上海的情况正和上世纪六七十年代的伦敦颇为相似，中产阶层迅速发展，大家都需要多一点乐子！”mike确信，设计在上海大有市场。 photographer：朱海@elephotostylist：judyzhu writer：lijun editor：许绿芸 策划：本刊编辑部创意总监：vicson guevara 执行编辑：wendywang、夏金婷、许绿芸、莎莎

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