中国新风雅 new china style-尊龙凯时app

photographer: 李苏 stylist: 沈萌 make up: 温丽 writer: 席琳 editor: wendy wang

吕思清
著名音乐家

　　“父亲给了我最传统的中国儒家教育，加上之后在英国和美国所受的影响，这三者形成了我人生观的主要架构。”简单的一句总结，其中却不知蕴含着多少生活中的细腻肌理。

　　他手里提着琴盒款款向我们走来，一身修身灰色套装，卷发依旧，面带微笑，温文儒雅：“很多人见到我都很吃惊，本以为我至少五六十岁了。”1977年，邓小平在接见外宾时提到：“我们有个7岁的娃娃，已经能拉外国的小提琴曲。”从此吕思清的名字就走进了很多中国人的记忆。
　　“十几、二十岁时，拉琴追求的是一个音符也不能错；30岁以后开始加进自己的一些感受；40岁以后，更在乎观众的呼应，我总是相信，好东西能给更多人带来思考的空间。”互动，看上去是吕思清近来有意无意间常琢磨的一件事。今年他计划要灌《梁祝》第5版的唱片了，多少人都在等待品味那琴弦间这位幸运先生的微妙变化。
　　和音乐家谈谈音乐厅，是《安邸ad》当然要做的事。近些年中国大中城市建好的大剧院加起来已有50多个，“很多剧院的确不错，建筑和音响都很好，比如国家大剧院、广州歌剧院、星海音乐厅等，有的则只顾着有个醒目的建筑，音响却一般。”如果你喜欢音乐，一定要找机会去好剧院欣赏好乐团的演出，体验到音乐的最高层次。听了大师的如是建议，我们请教他是否可以给读者开一张世界各地你不可错过的剧院清单？大师话题一转：“其实，纽约街头卖艺的小提琴，也是另一种音乐，它代表着音乐渗入到生活中的更深层次，也同样值得体验。”11岁进入英国梅纽因音乐学校，外表的儒雅风度，总让人联想到他在英国所受的绅士教育，而这席话，又让我们联想到他之后在美国的那许多年。“父亲给了我最传统的中国儒家教育，加上之后在英国和美国所受的影响，这三者形成了我人生观的主要架构。”简单的一句总结，其中却不知蕴含着多少生活中的细腻肌理。
　　爱好美食与美酒，吕思清在圈子里是出了名的。少小离家，除了练琴，古典音乐圈里接触到的西方文化，想必也是最正宗、讲究的。有机会到世界各地演出，吕思清也吃遍了各地美食。“到什么地方，我知道该吃什么，这地方什么菜出名，当季菜该点什么……”和朋友出去吃饭，总是吕思清点菜，他能照顾每个人的口味把一桌餐搭配得荤素得当，不多不少。“几家人一起出去玩，孩子的菜也都是我点，孩子们知道是吕大大点菜，就全都放心了。”
　　“我在美国读过很多ad……”听上去就是个相当爱家的男人。他无意中扯起了和朋友们在自家小区发起的block party。天气好的周末，左邻右舍几户好友在后院设好长桌，各自端出一些拿手好菜，边吃边聊再加上一些即兴表演，路过的人随便停下来参与……“原本的目的就是为了建立良好的邻里关系，没想到去年已经来了300多人。”大名鼎鼎的艺术家，竟如此在意邻里关系！这来自于他人生框架的哪一部分？中国的？美国的、英国的？也许都有？
　　聊起两个年龄还小的孩子，“音乐细胞肯定是有的，只是我们没像我父亲对我那样，对他们要求那么严格。对孩子的教育我比较赞同傅雷先生的说法，先做人，其次做艺术家，再次再做音乐家。”想象着吕先生两个孩子的未来，第二代的世界融合，那恐怕才是未来中国的新形象，新风格……

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	photographer: 李苏 writer: 詹宏静 editor: wendy wang潘公凯 
	中央美术学院院长，国画家，美术理论家，建筑师
	　　他的作品《融》将新媒体艺术与中国水墨画相结合，下半部分画着残荷，上半部分英文字母像雪花般飘落。
	　　如果说中国人多少都受过应试教育之苦，潘公凯可算是一个异类，他确实做到了德智体美劳全面发展。幼时，即便是在父亲潘天寿的耳濡目染下，潘公凯也未曾爱上绘画。学生时代，他对科学怀着强烈的好奇，至今还订阅很多科技类杂志，随时关注最前沿科技发展。高中入学考试时，潘公凯本来想学理科，而初中的美术老师觉得他在绘画方面有天赋，就自作主张替他报考了浙美附中。阴差阳错的偶然，使得潘公凯在美术这条康庄大道上一走就是几十年。 
	　　潘公凯从传统水墨开始其艺术生涯，但又不拘泥于传统。当他还在担任中国美术学院院长时，因为要兴建新校舍，他与建筑结下不解之缘，从此展开了一段对建筑的旷久“暗恋”。当装置艺术在中国逐渐萌发，他又研究起了装置。他涉足的领域跨越了4门学科，从水墨到装置，到美术理论，再到建筑。顶着多重身份，他简直做到了样样精通。广阔的知识结构，丰富的实践经验，使他做起装置和建筑来也举重若轻。潘公凯说：“我怀着一颗青春的心，不拒绝新鲜事物，也很爱探索。” 
	　　水墨画家很少能从传统框架下脱离出来变成一个现代艺术家，但潘公凯完成了这种转型。对他来说，艺术作品的创作是美与科技的一种结合方式，就像他的最新展览“弥散与生成”的概念也来源于物理学一样。他以“弥散与生成”来比喻全球文化走向扁平化和均匀化的一种当代景观。荷花是中国水墨画中一个必不可少的题材，身为杭州人的潘公凯自然也被西湖里的荷花吸引着。然而他对“残荷”却有着一番创新的解读与呈现。他的作品《融》将新媒体艺术与中国水墨画相结合，下半部分画着残荷，上半部分英文字母像雪花般飘落。“水墨残荷”与“英文字母”，似乎象征着中西方文化在相互入侵的同时对彼此的伤害与助长。作品最终以动画片的形式呈现。在潘公凯看来，中西文化的交错，不仅使人们的生活变得丰富，还更为深远地传播了本土的文化特征，改变着我们原有的模样。

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	photographer: philppe le berre stylist: 沈萌 make up stylist: 温丽 photo coordinator: 赵安 
	editor: wendy wang林曦 
	水墨画家，书法家，暄桐书画班创办人
	　　“真正的中国的强大，我觉得是哲学上的强大，就是当一个人能够彻底把自己放空的时候，他能做任何事情。”
	　　林曦又名林糊糊。她生于1983年，从小学国画，七八岁读老庄，12岁在巴黎举办第一个画展，13岁拜在著名古琴演奏家李祥霆老师门下，18岁已在北大念完宗教学系课程，并成为中央美术学院中国书画院的硕士研究生。她擅长水墨，能教古琴，出过唱片，写过小说，懂中医，研习茶道、香道…… 
	　　林曦对各种宗教感兴趣，但不是某个宗教的信徒，价值观、世界观主要受佛教影响。所以，早慧的她对自我有清醒认知，她的人生要做三件事：第一件，自我完善，准备攻读书法博士，未来5年计划看完关于中医的主要著作；第二件，将中国文化里面空灵神妙的气息传递给欣赏艺术的人，去年创办了一个小型“私塾”暄桐书画班，计划亲自设计扩建教室；第三件，绘画，但只作为兴趣，不是事业。 
	　　开“私塾”的主意，起初就是她在微博上吆喝，没想到真成了。“过去20多年是个大混合的时代，各种文化价值观杂糅交错……你站在哪儿，以何种身份处世，反而变得更重要，所以会有那么多人想学习传统文化。” 
	　　“说到中国新风格，我觉得无法刻意逃开日本，作为东方视觉符号，日本在国际上比中国先行了一大步。但中国和日本其实不一样，因为背后的哲学不一样，中国讲中道，走中间，要中庸，要柔和；日本讲极致，追求锋利、穷尽。台湾地区是大陆的一面镜子，它对中国文化钻研得很深，但它不是一种放下的态度，不够自信。任何传统都是成长出来的，一棵树拥有同一个根，但开出来每朵花都不一样。中国一直崇尚的是一种自然、温和的状态，一种不那么费劲的东西。当下每个人都生活在一个全球大文化的环境之下，再刻意强调纯粹的、封闭起来的中国风格是不现实的。 
	　　不到30岁的林曦，做了很多人一辈子都做不了的事，最难得的是，以一派天真烂漫的闲人姿态。在林曦的暄桐书画班里，她教书法、国画，学生们都是社会上各类精英人物，且都比她年长。交作业时他们都怕小林老师，因为她很严格。但下课之后她就变成了“宝宝”，不时大笑，嘴角上翘，眼珠漆黑明亮，活脱脱像她水墨画作中的孩童。当她弹起琴、写起书法，又超越尘俗，我打趣说她像《红楼梦》里的女子穿越到了现代，她嚷着说要做贾宝玉！

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	photographe: 蔡小川 writer: 苏印 editor: wendy wang陈晓卿 
	纪录片制作者，美食专栏作家
	　　“表现中国社会翻天覆地的变化，不见得非要选择宏大的主题，口腹之欲的变化也是这个大命题下的一条支脉，只要把握精准，就能演绎得格外精彩。”
	　　陈晓卿正在筹拍《舌尖上的中国2》。“第二季将展现一个更为魔幻现实主义的中国，打工族、农民工、异地摘棉花的人、夜班代驾，甚至一些更不为人熟悉的新社会阶层。我们正在跟富士康洽谈，希望进驻拍摄一些打工群体。你想想，体量巨大如航母的现代化企业，无数背井离乡的打工族，对比角落里永恒不变的美食话题，豆瓣酱、泡菜、腊肉，这将是多么有趣的中国现象？” 
	　　这个变幻纷呈的时代，太需要被记录。纪录片导演们也是使尽浑身解数，恨不能掐住这个时代最强劲的心跳，陈晓卿却选择了一个柔软的点——美食。在《舌尖上的中国1》里，中国人餐桌上再寻常不过的笋尖、豆腐、香肠变成主角，来讲述食物的故事，人和食物、社会的关系。“尽管美食跟性一样私密，但我的美食观念却是大众的，最平常的食物蕴含最普世的亲情、文化和传统，比方说，每逢春节，北京有几百万人返乡，他们去哪了？回家就为吃顿年夜饭？这其实特别有说头。”如此，表面上是一道道美味，实际所撩动的不仅仅是当下中国人的胃口，更是深处潜藏的社会面貌和人文情怀。这样既好看又有深度的美食纪录片，不仅让“舌尖上”成为2012年关键词，更让人领略到耳目一新的纪录片风格。 
	　　尽管自称“吃货”，但陈晓卿的切入点并非随手拈来。“有没有观察生活的能力，不在于有高精尖的设备，去到奇绝的地方，拍出不寻常的角度，好的摄影家像布勒松、卡帕，都是在日常生活里发现美，甚至美得惊心动魄的东西。所以，表现中国社会翻天覆地的变化，不见得非要选择宏大的主题，口腹之欲的变化也是这个大命题下的一条支脉，只要把握精准，就能演绎得格外精彩。”他甚至提出另一道更深刻的论题：为什么唐诗宋词才算文化，以烹炸煎炒为代表的厨艺却不算？“我对文化传承有跟别人不同的观念，文字、文学的传承是传承，礼仪、礼制的传承也是传承，与民生息息相关的厨艺的传承也是传承。我理解的文化，是人类创造并为人类所享受的一切，并无高低贵贱之分。” 
	　　近两年，纪录片的数量和资金注入量大幅提升，这是否意味着纪录片时代的到来？陈晓卿不敢妄下论断。“但我观察到一些新现象，社会财富的积累、专业设备的机电化、成本的降低，会让越来越多的个人成为这个时代的记录者。土豆、优酷上经常就有几分钟的短片，让人看过觉得特别温暖，这说明多角度记录社会现实的可能性。另外，人人都有上传权利，新媒体平台上的资源会越来越丰富，app客户端的‘热纪录’就有大量优秀的纪录片，不过，我不清楚他们如何解决ag尊龙凯时的版权问题。”

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	photographer: 李苏 writer: 昆妮晴、spongie editor: wendy wang张轲 
	标准营造建筑事务所创办人
	　　“当代中国的生活方式在设计角度的特殊需求，才是我最为关心的，这些都可能成就全新的设计,它可能不是红色的，但却非常中国，我宁愿称它为‘中国性’。”
	　　张轲给不熟悉的人一种距离感，不笑时像个愤怒青年，目光如炬。十多年前，刚从纽约回来创立事务所时，对于当时的现状他确实愤怒和不满过。当他放下抱怨，开始思考如何改变现状，于是发出了关于三个“不感兴趣”的宣言：对追随风格流派不感兴趣；对任何国外嫁接到中国的东西不感兴趣；对在国际上卖弄中国文化不感兴趣。从建筑设计到城市规划，再到近几年跨界产品设计，张轲一直谨遵自己的宣言。比如，他在西藏这个文化内涵独特的地区陆续做过几个项目，如雅鲁藏布江小码头、大峡谷艺术馆，其设计从对文化平视的角度出发，既不仰望也不俯视，建筑材料取自当地，由当地工人按照当地的加工和建造方式完成，但建筑建成是完全当代的。他就这样不止一次地完成了当代与传统之间的对话尝试。他为moroso设计的“藏龙”沙发也没有卖弄任何中式元素，只是取的名字颇值得玩味。张轲对具象的“中国元素”、“中国风”符号不感兴趣，他真正感兴趣的是“当代中国的生活方式”。 
	　　“我一直反对类似‘新中式’这种词，对‘当代中国的生活方式’的关注其实更能体现当下中国，比如‘春运神器’只有在中国才会出现。这种生活方式，尤其是将要成为主流的生活方式在设计角度的特殊需求，才是我最为关心的，这些都可能成就全新的设计,它可能不是红色的，但却非常中国，我宁愿称它为‘中国性’。当代中国正在出现很多有趣的社会现象，中国的建筑师和设计师完全没必要去迎合西方对东方的好奇。”张轲接下来的项目包括为西藏神山脚下的高海拔小镇桑耶镇做全面规划、设计杭州和扬州的两座博物馆等，都是极具文化性的案子，这位讲话爱蹦英文单词、相当西化的建筑师却表示毫无压力。 
	　　张轲觉得建筑师是具备专业素质的城市建设知识分子，有义务从全局角度思考社会问题。去年参加米兰设计展的装置“山居”，是他针对中国的土地流失现状提出对策的理想主义作品。让“当代中国的生活方式”充满更加迷人的可能性，这是张珂最想亲历的时代。

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	photographer: 朱海@elephoto stylist: patricia ketelsen writer: alla editor: 夏金婷朱小杰 
	温州澳珀家俱有限公司董事长兼首席设计师
	　　朱小杰在北上广之外的温州，经营着一个自己的设计王国，那里的番号为“传统文化就是生产力”，治“国”宝典则是“道德经”。
	　　“设计非原创，设计是把丢了的东西捡起来”，朱小杰常常这样说。但如果说每个设计师的设计理念都有一个轨迹可循，那么这条轨迹的起点似乎要推回到十多年前。去北欧考察加工设备时，他拜访了“椅子大师”hans wegner （汉斯·魏格纳）的工作室。当时他花6000块钱买了那把“世界最美的椅子”，wegner却指着它说：“我的灵感来自于你们中国的明代设计。”那一次，“醍醐灌顶”，回来后他力排众议，将日进斗金的板材家具生意转型为了从零开始的实木家具。“明代家具”如同一把打开闸门的钥匙，清风椅、蝶椅、森林桌、博古柜应运而生，从此中国文化的痕迹在他的设计里一泻千里。 
	　　在他的办公室入口，有一张显眼的易拉宝“传统文化就是生产力”。他研究过一阵哲学，“德国的、印度的一路看来，却只有老子的看到了心里去，《道德经》成了我某种意义上的《圣经》，”朱小杰说，“所以，设计不是原创，只有大自然中的万物才是原创。所谓设计，是人结合精湛的手艺、成熟的技艺、丰富的阅历，结合视觉、听觉、嗅觉、味觉、触觉、心觉六感，赋予物体以功能、品质与造型。而造型是列位第三的。” 
	　　如果没有工作应酬，他8点上床、凌晨4点起床；花一小时练一套自创的呼吸练气法，亲手打理一下阳台上几十盆盆景；办公室里一年四季堆满了他喜欢的金黄色时令水果和鲜花，敞着大门欢迎员工们随到随取；品香，喜檀香，不喜“太强势，太过袭击性的”沉香；品茶，好温州当地的绿茶新茶，不爱“有牛粪味”的普洱…… 
	　　“设计师要远离流行的东西”，他说，就像他放在个人网站上的那句话，“我向往一种简单的生存方式和生命状态，人际淳朴、沟通坦荡，取向明确、目标专一”。临别时，他递过来一张迷你名片，外圆内方的造型源于铜钱——“取向于钱，外际圆润、内心方正”。

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	photographer: 陈明辉 writer: 乌苏娜 editor: wendy wang毛继鸿 
	例外服饰创始人之一，广州方所书店创始人之一
	　　“我相信汤恩比的一句话：‘21世纪是中国的世纪，只有中国的儒家思想和大乘佛法，可以拯救21世纪的人类社会。”
	　　毛继鸿失踪了。 
	　　生于广州的例外，在“彭教授出访服装”成烈火烹油的大事件之前，其实早已是年销售额超10亿的成功品牌。例外以及方所的成功，在今天看来，仍是一个许多人意想不到的例外——大家加速扩张时，毛继鸿先修心法：例外在寻找当代中国生活美学，综合业态的商业空间“方所”则成为文化事件不断的公共空间、文化地标。 
	　　在例外，平面裁剪、东方元素、天然材质是易于识别的dna，而耀眼的设计语言被自动摘除，“我更看重持续的生命力，而不是炫目的爆发力、怦然释放的激情，太炫的东西容易一闪而过。从播种到开花结果到落叶归根，这自然而然的生命周期里，有我们要的生生不息的生命力，这种持续生长的态度，是东方的。” 
	　　在方所，这个占地1800平方米以图书、咖啡、文化产品、例外服装等为销售主线的广州新地标，在挑选进驻品牌时，同样恪守东方美学的标准，“都是外显设计感不那么强，但内心、内在强大，有触感、手工感的产品”，它们强调传承工艺的同时，也有重新设计的思考与探索，“这些承上启下的产品能为中国设计带来有益的启发。”这种承上启下的思考与探索，便是毛继鸿一再强调的当代性，“中国新风格的‘新’具有时代性，它应当是当代的，强调此时此地，此时此地每个人都需要直面种种困惑与命题。我们对传统工艺、自然美学、人文美学推崇与珍视，但不能放弃观察和思考，亦需身体力行地探索，这是这代人应该有的一种使命感。” 
	　　先悟形而上的道，再做形而下的器，这个生长顺序，也是东方的、中国的，17年前毛继鸿早已想通想透，西方关注“脑”，东方则更关注“心”，于是他先修心——“我们的‘心’是自然主义、简约主义和东方浪漫主义的，归根结底它又是人文主义的，遵循着道法自然的大规律，无论简约或现代的任一手法和语言，都围绕着这个大规律展开。 
	　　有心的毛继鸿终归会回来见众生；有心的例外，为找寻中国当代美学上下求索；有心的方所，给了广州人一种文化底气上的自信。人们在方所把心放下放松，投入一场心与心的邂逅。

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	photographer: 李苏 stylist: 沈萌 make up: 温丽 writer: 苏印 editor: wendy wang宋涛 
	自造社(o gallery)创始人，保利设计品拍卖召集人
	　　“设计师只有懂得享受生活，欣赏美的事物，才能创造出美，传达给更多人。这才是未来设计的方向。”
	　　走进“自造社”，不难看到东西方元素的交错，百年老榆木与不锈钢竹子混搭，明式太师椅与意大利沙发并列，中式立柜用来放置葡萄酒……这让宋涛很兴奋：“中国这一代人挺有意思，能喝茶，也能抽烟斗，品红酒。我不赞成孤立地讲中式风格，其实更是一种融合，只是看站在什么高度，用什么眼光。这就像搭台子唱戏，主角不可缺，配角也少不了。” 
	　　对生活方式的重视，是宋涛观察到设计师群体的一种新风貌。“有人喜欢品茶，衍生出对茶器的把玩；有人爱书画，更移情于文房四宝；有人好古琴、青瓷，就自己动手造。所谓器以载道，古时文人不正是通过这种把玩形式，创造出最典雅的家具、最精致的瓷器？”他坚持，设计的最高境界是“把玩”。这也道出他“文人设计”理念的精髓。“设计师只有懂得享受生活，欣赏美的事物，才能创造出美，传达给更多人。这才是未来设计的方向。”这几年，他每年帮江南会组织四次“文人雅集”，便是这种设计样貌的集中体现。“将空间重新布置，陈列好家具、器物、艺术品，再焚上一烛香，斟上自酿的江南花酒，大家边聆听古琴清韵，边把玩家具和器物之美。” 
	　　而西方文化教会他，更多是一种恣情纵意的享受姿态。早年留学法国，他逛到一对老夫妇的古董店，里面堆满从全世界各地搜罗的奇珍古玩，然而一问得知，其中许多古董并不售卖。“这件事特别打动我，他们是为自己生活，以自己的眼光、审美和判断力找到好物件，与更多人分享。”这让他更肯定自己的设计思路，“为了更好的生活”。 
	　　去年，宋涛与保利拍卖行合作，创意性地将设计品首次带进中国的拍卖场。这个举动将中国设计师放在与西方设计师同等的平台，也让藏家见识到现代设计品的魅力，春拍的结果尤其让他欣喜，几乎所有中国设计师的作品都被抢购一空，“说明中国设计有艺术品的魅力”。同时也暴露出可悲的另一面，“藏家几乎对设计师一无所知”。这其实正是宋涛从设计台前隐身为幕后推手的原因所在。秋拍时，多家画廊纷纷询问，“你们的设计品能到我们画廊展览吗？”这样的邀约，让沉寂多年、常被定型为“技”而非“艺”的设计扬眉吐气，也让宋涛与设计同仁们更是摩拳擦掌，准备再接再厉，迎接设计的好时代。

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	photographer: philppe le berre stylist: 沈萌 writer: 詹宏静 photo coordinator: 赵安 editor: wendy wang尹秀珍 
	装置艺术家
	　　“当人们无法呼吸新鲜空气，无法吃到安全食物，对周边发生的事失去信任的时候，其他都是奢谈。我对未来深感忧虑，这些会被反映到我的作品中。”
	　　装置艺术起源于上世纪60年代的西方国家，它同“波普艺术”和“极少主义”属同一时期发展起来的艺术形式。上世纪80年代末期，装置艺术传入中国，发展至今，“中国的装置艺术”仍面临很多困境，如收藏难、投入大、受众小。敢吃螃蟹的大有人在，艺术家尹秀珍便是其中之一。尹秀珍最早的创作以油画为主，但绘画对她来说始终存在着局限性，很多时候不能贴切地表达她在急剧变化的环境中的真实感受。当代艺术的宽容与自由使她从传统艺术模式中解放出来，一种新的艺术形式的出现让她感觉像奔腾在旷野中的一匹小马，挥洒自如。1994年，尹秀珍开始尝试运用装置、摄影、绘画、影像等手段进行艺术创作。 
	　　各种生活经验的积累，逐渐转化为她创作的源泉。在尹秀珍的作品中，我们常看到层出不穷的各样材料，海绵、水泥、机械、日常用品等。人们穿过的衣服是她喜欢的材料之一，“衣服紧贴肌肤，遮体蔽日，蓄暖御寒，同时又是时代的影子、文化的印记、时尚的坐标、身份和品位的尺子，尤其是快速变化的当代社会，服装的变化是不可思议的。在充满服装店铺的今日世界，人们对衣服样式迫切翻新的欲望和衣服被快速丢弃的无奈现实，表明了人们对生活和世界的态度。这很像是变色龙的皮肤，通过改变来适应越来越难于适应的世界，人们为什么丢弃穿过的衣服，人们越发地依赖这第二张可以改变的‘皮肤’， 而这张皮是有表情的。” 十几年来，尹秀珍搜集了来自不同国家的数不清的人的经历（旧衣服），这其中有家人的，有朋友的，有素不相识的人的……她将这些衣服汇集到一起，通过“缝合手术”将不同“个体”组成新的“集体”，在作品下隐藏着很多不同“集体潜意识”，重新观看和反思曾被我们忽视的价值。去年，她在荷兰一个美术馆做了《可携带的城市》，她把当地人穿的旧衣服、鞋子收集起来，做了一个城市景观，反映全球化背景下人们的旅行生活、人和生活的关系。 
	　　尹秀珍觉得，文化是在相互交流的过程中产生的，不同文化在碰撞当中会形成新的文化观点，艺术作品则在其中扮演着文化交流平台的角色。“当作品在全球范围内展示和交流的时候，这种不同的文化观点会随着交流的频繁和深入相互渗透共同发展。”但是，“无论你走到何处，心中的家永远是你成长的那个地方。尽管旅行频繁，但因有家而感到实在。”

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	stylist: candida zanelli photographer: sylvie becquet writer: alla editor: 夏金婷 thanks to: 设计共和王汁（uma wang） 
	著名时装设计师
	　　什么是new china style？王汁把它定义为“慢慢去除符号化后内心自然的归宿，是看尽千山万水之后的回望，传承自己血液里的文化。”
	　　喜爱uma wang的人似乎都有一些“闷骚”的特质——有个性却不张扬，前卫却不侵略，悦己重于悦人，对外在世界保持着“偷窥者”一般的开放度和好奇心，对内在自我留存着“自恋者”一般的自信心和笃定感。“我只为懂的人设计服装，”王汁说，“性感是内敛而私密的，上帝创造的女人已经如此之完美，她们的身体、她们的手、她们的脖颈，当女人不取悦于他人、不做作、不经意地通过自己的仪态对衣服进行第二次创作，真正地回归自我，那时的流露才是最美的。” 
	　　多年来，王汁周围自然集结出一个精品级别的国际化团队，面料商、代理公司、公关、海外市场销售大都来自意大利，针织加工则交给了一对日本夫妇主理的工厂。“我从他们身上学到了很多专业的工作方法，不同文化背景下的交流，也非常有意思。”品牌背后的团队是国际化的，但宽衣离体的服装廓形，依旧能看到汉服、唐装、长袍般洒脱飘逸的影子。“身体和衣服都有一定的距离，女性在行动中身体若隐若现，在蹙眉颔首中媚态百生，让人有想象和发现的空间，这就是中国美学的精髓，含蓄之美。”王汁解释道。 
	　　uma wang推出的2013年春夏系列中，30%的面料经过红茶和绿茶洗涤，30%经过咖啡洗涤，自然的印痕成为了花卉图案的一部分。她把平纹的高档真丝戳了无数小洞，然后水洗，造成一种时间感的做旧，“原本皇家气质的东西接了地气，为原本显老气的布料赋予了年轻感，‘穷人’穿了不显得贴金，‘富人’穿了不显得寒酸，模糊了社会阶层感，穿在不同的人身上放大了穿着者本身不同的特质。” 
	　　山本耀司曾经说过“面料是王道”，王汁是坚定的追随者。她的古董衣收集运动近至潘家园的老棉袄、老旗袍，远至博洛尼亚的跳蚤市场，从中寻找灵感传达给面料商；和自己的设计团队探索用造纸的方法沉淀布，用树皮制作面料；尝试自己纺织、自己染色……“面料上下了功夫，服装设计上反而尽量简单，炫技是不成熟的表现。”

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	photographer:philppe le berre photo: coordinator 赵安 
	writer: 席琳、wendy wang thanks to: hadrien de montferrandjerome sans 
	完美跨界公司创始人之一，策展人，作家，音乐家
	　　“中国的新生代艺术家、设计师发明了一套崭新的语言，既能找到中国传统和现实的影响，也有关于全球化时代一切特征的描述，他们把想象力和创新性推到极致，这简直是一个梦幻时代的开始！”
	　　在刚结束的迪拜第七届艺术博览会上，jerome一直在向西方人宣讲当代中国发生了什么。在他脑子里，每一秒都有新点子发生，这就是他为什么离开从他出生起几乎从未改变的巴黎，来到瞬息万变的中国，他要做变化的创造者。 
	　　在等待摄影师布光时，jerome指着《安邸ad》1月刊封面上的林依轮说：“我的工作室里摆了这一期！这位中国男人搭配领巾的方式非常时髦自然，他公寓墙上的艺术品出自很有名的中国画家之手，家具则混搭了国际知名设计师的风格。你很难搞清楚这位年轻的成功人士到底来自北京，还是纽约，抑或巴黎。我真想读读他的故事！你们应该出英文版。住在中国的老外总问我应该关注哪些艺术家，该买什么设计，怎样的建筑是人性化的，你们的杂志是比我还好的顾问。” 
	　　jerome与中国的渊源可追溯到上世纪80年代，“20年来，我同许多常驻法国的中国艺术家譬如黄永、王度和陈箴，都建立起了深厚的感情。”2005年，他第一次来到798，当时这里没有路灯，没有wc，没有人，画廊不过两三家，一片荒凉。2008年，当他上任北京尤伦斯当代艺术中心馆长，798艺术区开始萌芽，到如今，“已经变成像长城一样热闹的地方！”jerome带领之下的尤伦斯无疑是极为成功的，在他的风格化经营下，尤伦斯北京俨然画廊中的明星，全年展览丰富，永远有上演不断的文化艺术音乐电影沙龙，尤伦斯艺术商店在他手上成形，艺术和设计品成为人们逛画廊的另一个理由。他还促成了中国建筑师马岩松与世界著名艺术家奥拉维尔·埃利亚松的首度合作，马岩松的建筑与奥拉维尔的光线大胆地将观者引领向一个奇幻的未来。将建筑与设计带入美术馆，这样的举动实非偶然，jerome过去就一直对中国建筑设计感兴趣，如果说那时他关注的更多是历史性中国，现在他对当代中国兴趣大得多。“我的双眼直视前方，永远更喜欢当下和未来。” 
	　　艺术和设计真的开始渗入普通人的生活，这一点比jerome预计得还要快得多。当他觉得在尤伦斯的使命已经结束，这位充满激情的行动派立刻转身离开，当初坊间一度流传各种猜测。现在，是时候亮出他新的身份了。他与两位合伙人共同创立了完美跨界公司，预备在艺术、建筑、设计、时装、电影、剧场、出版和音乐等几乎所有你可以想象的更多更广阔的创意领域，帮助中国与西方跨越彼此的界限，让西方人理解中国当代的价值，令中国人实现与西方的融合以至创新。他与中国建筑、设计、艺术界保持着极佳的关系，来自中国本土的创意势力令他得以跨界施展拳脚。在变化发生之前，他说要守口如瓶，但保证会是令人惊喜的。

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